Følg de grunnleggende reglene og prinsippene for å skape god kunst

For den tilfeldige observatøren kan kunstens verden virke utilnærmelig.

Når du ser på et maleri, ser på en ballett eller hører en klassisk konsert, vil allmennheten og kunstentusiaster ha en emosjonell respons, men de forstår kanskje ikke hvordan disse verkene ble skapt.

Mange mennesker tror at talent, flaks og geni er ansvarlige for å bringe høy kunst til å bli. Selv om disse definitivt spiller en rolle, er de ikke hele historien. Selv om det kan gå upåaktet hen av mindre trente øyne, underbygges all kunst av et felles grunnlag: Prinsipper for design, som varierer etter disiplin.

Dansere læres å opptre i tide med sine medutøvere, slik at de beveger seg som en enhet. Malere og andre billedkunstnere lærer å manipulere elementer av perspektiv, komposisjon og bruk av lys eller skygge.

Klassiske musikere studerer regler for harmoni og musikalsk form; De lærer å oppnå god intonasjon og bevege kroppene sine på måter som gir ønsket lyd.

En solid forståelse av de underliggende designprinsippene i håndverket ditt er avgjørende for å utvikle seg til en sofistikert, moden kunstner. Musikken til Bach og Beethoven ville ikke eksistere uten deres totale mestring av harmoniens regler; Monet og Vermeer ville ikke bli feiret hvis det ikke var for deres fullstendige kontroll av perspektiv og bruk av lys i maleriene sine.

I enhver kunstnerisk disiplin blir kunnskap om og respekt for kjernefagene til ens emne innpodet fra de tidligste nivåene og brukes kontinuerlig som et grunnlag for å bygge til mer avanserte mestringsnivåer.

Både studenter og fagpersoner bruker disse etablerte kjernefilosofiene for å informere arbeidet sitt på daglig basis, selv på de høyeste stadier av karrieren.

På tvers av kunstformer er de fleste av disse prinsippene relatert til tekniske aspekter av hvordan du skal utføre en bestemt bevegelse eller penselstrøk, eller hvor du skal plassere et bestemt emne eller merknad, snarere enn til estetiske konsepter.

Dermed er det enkelt å se dem på en stiv måte, snarere enn som en støttende ramme. Likevel, når du går videre i håndverket ditt, ser du at hver kunstner har sin egen tolkning av prinsippene; Dette er det som gjør at hvert kunstverk og hver kunstner kan være annerledes enn en annen.

Når du mestrer tekniske bekymringer og kontinuerlig foredler teknikken din, vil du lære å manipulere reglene på din egen måte, og dette vil gi mening, egenart og personlig uttrykk for arbeidet ditt. Bach, Beethoven og alle de store mestrene perfeksjonerte og bøyde deretter reglene; Slik blir du også en unik, minneverdig kunstner.

Visuell kunst som tegning kan være spesielt vanskelig, siden du må representere tredimensjonale elementer på en todimensjonal overflate. Men å følge visse prinsipper, selv som nybegynner, vil hjelpe kunsten din å være overbevisende og uttrykksfull med mindre frustrasjon og krefter. La oss se på noen av de grunnleggende designteknikkene som er viktige for alle som tegner.

Sammensetning
Sammensetning er utformingen av alle elementene på tegningen din. Form, linje, farge, tone og plass er alle en del av dette.

Før du begynner å tegne, er det best å lage foreløpige skisser og planlegge hva du vil tegne. Når du har gjort dette, er det første du trenger å tenke på for tegningen din, form. Fra starten av må du etablere den generelle store formen (konturene) for hele tegningen.

Du bør bare begynne å jobbe med de mindre formene til individuelle gjenstander etter at du er fornøyd med at du har formidlet konturen du vil ha. Å prøve å tegne de mindre formene først vil bare føre til frustrasjon; Arbeidet ditt vil mangle definisjon og ikke være så overbevisende som det kan være. Med andre ord, ignorere detaljer til du får det grunnleggende riktig!

Linje er måten du veileder en seer gjennom maleriet ditt. Horisontale linjer, som de i landskapstegninger, formidler vanligvis en fredelig følelse; Diagonale linjer kan legge til spenning. Generelt gir kurver et mye mer naturlig, behagelig preg enn rette linjer; De gir også stykket ditt en god følelse av bevegelse, så det ser mer realistisk ut.

Farge takler selvfølgelig hvilke farger du bruker i paletten din. Det handler også om intensitet-du trenger å ta et valg av hvor mettet (levende) eller subtil du vil at fargene skal være, og om du vil bruke dem til å uttrykke ideen om lys eller mørk.

Tone, også kalt skyggelegging eller "verdi", er direkte relatert til farge. Du kan bruke skyggelegging for å lage skygger i arbeidet ditt (som skygger skapt av solen i et landskap, for eksempel). Dette vil tillate at arbeidet ditt kan virke tredimensjonalt og gi betrakteren en følelse av dybde.

For at kunsten din skal arbeid, må du også vurdere din bruk av plass.

Tenk på hvor mye plass du vil ha mellom elementene i tegningen din (kjent som negativ plass) og hvor mye plass du vil at objektene i tegningen skal fylle (positivt plass). Dette vil variere avhengig av hva slags tegning du gjør.

I vestlig kunst blir det negative rommet ofte fylt ut med farge eller til og med skyggelegging, men noen asiatisk kunst etterlater det tomme, hvite rommet til selve papiret rundt det sentrale objektet; Dette kan også være veldig effektivt.

En ting å huske, ikke legg den samme mengden negativt mellomrom mellom hvert element i stykket ditt-å holde ting interessant, det er viktig å variere formen og størrelsen på det negative rommet.

Balanse og enhet
Balanse og enhet regnes som kjennetegnene til "god" konvensjonell kunst. Det er noen gyldne regler, alle prøvd og testet av de store artistene, som du kan bruke for å finne balanse i dine egne brikker.

Men først, noen generelle tips som vil bidra til å gjøre det lettere å gjøre det lettere. Det er viktig at det er et hovedområde med interesse og fokus på tegningen din, slik at betrakteren vet hva han skal se på og ikke er distrahert av for mange små elementer.

Plasser det mest fremtredende emnet ditt litt utenfor sentrum i arbeidet ditt for å gi en fin flyt for betrakteren, og sørg for at det vender inn i tegningen, ikke ut av bildet ditt.

Sørg for ikke å kutte maleriet ditt direkte i to, verken vertikalt eller horisontalt, da dette kan se mindre realistisk. Hvis du bruker en horisontlinje i arbeidet ditt, må du sørge for at den ikke er i midten av bildet-plasser det enten høyt eller lavt, slik at det viser mer "himmel" eller mer "bakken", avhengig av hva du er tegning.

Og nå, de gylne reglene. Den første gyldne regelen er regelen om tredeler, og den er faktisk relatert til det gyldne middelet i seg selv. Golden Mean, eller Golden Ratio, har guidede klassiske artister i århundrer. Den sier at elementene i et kunstverk skal plasseres slik at hvert element er i en andel på 1 til 1.618 (rundt 3 til 5) i forhold til noe annet element. Regelen om tredeler er en forenklet versjon av gylne snitt.

Å følge den, Del tegningen din i et rutenett med 3 kolonner og rader, alle like i størrelse. Plasser hovedemnet og mindre interesseområder i nærheten av en av linjene på nettet ditt, og hvis du kan, tar du sikte på å plassere dem i skjæringspunktet mellom rutenettet. Dette vil lett skape en ideell balanse i tegningen din, ettersom den tvinger deg til å unngå å sette viktige elementer i områder som visuelt vil kutte stykket i to, og stoppe seerens øyne.

Som tredjedelsestyre, Oddsregel er også basert på oddetall. For å oppnå en realistisk tegning, bør du ha et merkelig antall fag i stykket ditt, som 1 eller 3, i stedet for et jevnt tall. Hvis du bare har ett hovedfokuspunkt, legg et jevnt antall gjenstander rundt det; På den måten vil du ende opp med et merkelig antall elementer i arbeidet ditt, noe som generelt er mer behagelig for øyet. Som med forrige regel, hjelper regelen om tredeler deg å unngå å kutte arbeidet ditt direkte nedover sentrum.

For å forene arbeidet ditt, er repetisjon av noen elementer nøkkelen. For eksempel kan du velge et symbol eller motiv og gjenta det på visse områder av tegningen din, kanskje i en annen farge eller i mindre størrelse. Dette etablerer et mønster i stykket ditt og hjelper det å være fornuftig for betrakteren. Det er viktig å ikke overforbruk dette, men som du vil ha variasjon i arbeidet ditt også.

Perspektiv
Å utvikle perspektiv er en grunnleggende ferdighet i kunst, og det er det som gir arbeidet ditt en følelse av dybde og avstand. I tegning holder perspektivet at objekter blir mindre når de går mot bakgrunnen til et bilde, mens større gjenstander er i forgrunnen (foran) av bildet.

Lineært og luftalperspektiv er begge viktige for artister. Lineært perspektiv kan deles inn i 1-punkts, 2-punkts eller 3-punkts perspektiv. 1-punkts perspektiv er det enkleste stedet å starte. For å bruke den, trenger du bare en visning og et fast punkt.

Hvis du tegner en kirke, vil synet ditt være det du ser foran deg med hodet rett, og det faste punktet kan være hva du velger, som en statue foran deg. Du vil rette seerens øyne til statuen gjennom bruk av to ting: et forsvinnende punkt, og en horisontlinje. Forsvinningspunktet kan være et hvilket som helst punkt i det fjerne øynene dine kommer til å hvile på naturlig --- i en kirke, kan det være et punkt på en fjern vegg.

Vaneringspunktet ditt er innlemmet i horisontlinjen din, som er en lang, flat horisontal linje på himmelen (eller bakken, når innendørs) som vil strekke seg til venstre og høyre for tegningen din og til og med ut av bildet ditt. Perspektiv er et ganske komplekst verktøy og tar mange forskjellige former, men dette er det grunnleggende om å etablere ett-punkts perspektiv, noe som gir dimensjon og et naturlig utseende til arbeidet ditt.

De essensielle tegneelementene i komposisjon, balanse, enhet og perspektiv finnes i alle kunstformer. Selv om dansere og musikere vil ha forskjellige definisjoner av og tilnærminger til disse elementene enn billedkunstnere gjør, danner de en felles kjerne mellom alle kunstneriske disipliner.

Uansett hva ditt felt, etter disse grunnleggende prinsippene, vil sikre at arbeidet ditt er profesjonelt, ikke amatør, og at brikkene dine uttrykker din personlighet og tydelig kommuniserer budskapet ditt til publikum.